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Presenta Maria by Callas con la presencia del director Tom Volf- 18 Septiembre al 16 Octubre

Tom Volf, invitado especial del 18 Festival de Cine Francés, presentará el documental “Maria by Callas” (María Callas)

El cineasta retrata los aspectos más íntimos de la reconocida cantante de ópera Maria Callas, entregando a los espectadores imágenes y videos de archivos inéditos, cartas privadas y testimonios de los amigos más cercanos de la soprano, entre ellos Vittorio De Sica, Aristote Onassis ―el gran amor de la cantante―, Pasolini y Luchino Visconti. El fotógrafo y documentalista compartirá sus experiencias con el público en la Inauguración del festival el próximo 18 de septiembre, en la Sala Capital de la Cinemateca de Bogotá y el 19 septiembre en Cine Colombia Avenida Chile (Sala 4 – 6:00 p.m.).

La proyección inaugural del 18 Festival de Cine Francés, que se llevará a cabo el el 18 de septiembre en la Sala Capital de la Cinemateca de Bogotá, contará con la presencia del reconocido fotógrafo y cineasta francés Tom Volf. El director compartirá la experiencia que supuso para su carrera la dirección del documental Maria by Callas (Maria Callas) y la responsabilidad de llevar a la pantalla la vida y obra de la cantante de ópera más eminente del siglo XX.

Capaz de revivir el bel canto en su corta pero significativa carrera, la cantante griega María Callas (1923 – 1977) fue llamada «La Divina» (como antes la célebre Claudia Muzio) por su extraordinario talento vocal y actoral. Aún hoy estremece el recuerdo de su peculiar voz, de registro amplio, que unido a su dominio de la técnica, le permitió cantar roles desde soprano ligera a los dramáticos, incluso de mezzosoprano y alternar entre personajes de coloratura ágil y dramáticos pesados con éxito. También es recordada por rescatar diversos personajes de la ópera en su esencia dramática y expresiva.

Volf declara el descubrimiento de Callas como el momento culminante de su carrera y de su visión como creador. Desde 2013 emprendió la realización de Maria by Callas, un testimonio integral de la mujer que revolucionó para siempre la interpretación lírica. Construida a partir de testimonios directos de Callas, exceptuando cartas que ella misma escribió y que son leídas por Fanny Ardant, la película aborda desde una perspectiva intimista aspectos centrales en la construcción del mito de la diva, sin perder de vista el sentido más humano de la cantante.

El documental da muestras de una innovadora técnica documental, resumiendo las más de 60 horas de entrevistas filmadas con los amigos y colegas más cercanos de Callas y las 400 cartas a las que tuvo acceso Volf ―viajando por el mundo para descubrir nuevo material y archivos perdidos― y que terminan construyendo un retrato que no le importa redefinir los límites de los géneros audiovisuales. “Esta película ―asegura Tom Volf― restablece la verdad sobre Maria Callas”.

TOM VOLF – Invitado

La trayectoria como director de Volf se extiende desde la filmación para la ópera hasta la publicidad de moda. Como fotógrafo, su interés gravita hacia la fotografía de películas antiguas, utilizando cámaras legendarias como Rolleiflex y Hasselblad. Sus fotografías para la moda han sido publicadas en varias revistas, dos exposiciones tuvieron lugar en París presentando su trabajo Desde el Tíbet y el Polo NorteMaría by Callas, su proyecto más ambicioso, se estrenó en 2017 en el marco de la conmemoración del 40 aniversario del fallecimiento de la soprano.

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KonoSuba Le Hace Un Homenaje A México Con Su Música (desde Universo Nintendo)

Desde Universo Nintendo publican el siguiente artículo:

KonoSuba Le Hace Un Homenaje A México Con Su Música

Quien diría que el disco con la banda sonora de la película de KonoSuba Kurenai Densetsu tendría una bonita referencia a México. ¡Puros mariachis!

No, no hay exactamente una canción oriunda o inspirada en México entre los temas de KonoSuba. O al menos, hasta donde se sabe. Pero este viernes se publicó en línea la portada del disco compacto con los temas musicales de la primera película basada en la serie. Es decir, de KonoSuba Kurenai Densetsu, que se estrenó el 30 de agosto de este mismo año, y que posteriormente llegó a Occidente gracias a Crunchyroll.

El caso es que si le dan un vistazo entenderán por qué dije lo anterior. Ahí vemos a AquaDarknessMegumin y Yunyun vestidas como mariachis.

Para leer completo este artículo, pueden ir al enlace del Universo Nintendo: https://universo-nintendo.com.mx/2019/08/23/konosuba-kurenai-densetsu-pelicula-mexico-musica/

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Retrospectiva de la gran Agnès Varda (evento 18 Festival Cine Francés)

Cinco películas en la retrospectiva de Agnès Varda, la gran figura de la Nueva Ola Francesa

El 18 Festival de Cine Francés le rinde homenaje a Agnès Varda, directora, guionista y fotógrafa belga, quien después de una larga vida de cosechar imágenes, partió este año dejándonos su legado fruto de la curiosidad inagotable que tenía la cineasta por la naturaleza humana. Del 18 de septiembre al 16 de octubre no se pierda la oportunidad de ver una pequeña muestra de lo mejor de su cine. Además, durante la jornada, se realizarán encuentros con el escritor y crítico cinematográfico, Hugo Chaparro, para que el público se adentre en el universo cinematográfico que propone su obra.

“Sugerí a las mujeres que estudiasen cine. Les dije: ‘Salid de las cocinas, de vuestras casas, haceos con las herramientas para hacer películas'” – Agnès Varda.

Varda se destaca por ser una de las pioneras del cine feminista. Sus películas, documentales y vídeo-instalaciones, con un estilo experimental distintivo, guardan un carácter realista y social. La cineasta nació en Ixelles, Bélgica. Durante su adolescencia, debido a la Segunda Guerra Mundial se refugió con su familia en un barco anclado al muelle de la costa de Sète, al sur de Francia. Realizó estudios en literatura y psicología en La Sorbona de París e Historia del Arte en la École du Louvre, después trabajó como fotógrafa oficial del Teatro Nacional Popular de París, donde se acercó a la escena teatral.

En 1954, cinco años antes de la Nueva Ola, sin ningún tipo de capacitación o asistencia, crea la compañía Ciné-Tamaris para producir y realizar su primer largometraje La Pointe courte, el cual recibió instantáneos elogios de artistas como André Bazin, alabando la libertad y pureza de su obra.

De las películas escritas y dirigidas por Agnès Varda, alternando cortos y largos, documentales y ficción, las más conocidas son Cléo de 5 à 7 (Cleo de 5 a 7, 1961), Le Bonheur (La felicidad, 1964), Sans toit et loi (Sin techo ni ley, 1985), Jacquot de Nantes (Jacquot de Nantes, 1991), The Gleaners and the gleaner (Los espigadores y la espigadora, 2000), Les plages d’Agnès (Las playas de Agnès, 2008), Visages Villages (Rostros y lugares, 2017), codirigido con el artista JR, y el que fue su testamento cinematográfico Agnès par Varda (Varda por Agnès, 2019), en el que reflexiona sobre su vida y sobre su recorrido por el mundo a través de su cámara.

Todo su trabajo cinematográfico fue galardonado con un César d’honneur en 2001, el Premio René-Clair de la Academia Francesa en 2002, una Palma de honor en el Festival de Cannes en 2015 y un Óscar honorífico en 2017.

Las películas que se podrán disfrutar en la retrospectiva del 18 Festival de Cine Francés son:

Cléo de 5 à 7 (Cleo de 5 a 7) – 1962

Cléo, una joven y hermosa cantante, aguarda los resultados de un exámen médico. Durante su espera, salta de la superstición al miedo, de la calle de Rivoli al Café du Dôme, de la coquetería a la angustia y de su casa al parque Montsouris. Su amante, su músico, una amiga y luego un soldado le abren los ojos al mundo.

Sans toit ni loi (Sin techo ni ley) – 1985

El cadáver congelado de una joven vagabunda es encontrado en una zanja. ¿Cómo murió? ¿Cómo vivió? ¿Quién la extrañará? La cámara sigue a Mona en su caminar errante durante los últimos dos meses de su vida, un viaje frío y cruel pero lleno de encuentros.

Jacquot de Nantes  (Jacquot de Nantes) – 1991

Jacquot tiene once años. Su padre tiene un taller mecánico, su madre es peluquera y los tres disfrutan cantar y ver películas. Fascinado por toda clase de espectáculos (teatro, cine, marionetas), compra una cámara para realizar su primer film amateur. Una evocación a Jacques Demy, su infancia y vocación por el cine y los musicales.

Visages Villages  (Rostros y lugares) – 2017

Dos artistas viajando por los campos de Francia. Agnès Varda escogió el cine y JR las galerías al aire libre. Lo que nació como un tour fotográfico, terminó en un documental co-dirigido que no solo captura el paisaje francés y sus personajes, sino la historia de una amistad.

Varda by Agnès  (Varda por Agnès) – 2018

¿Quién mejor que Varda para explicar a Varda? Este documental le dejó al público un lugar de encuentro con la artista, la fotógrafa, la cineasta. A través de un recorrido por su filmografía, por las historias y personajes que han compuesto su obra, Agnès Varda plasmó un autorretrato conmovedor de su universo y perspectiva del mundo.

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Protagonizada por ALEJANDRO BUITRAGO, actor de DISTRITO SALVAJE (Película LOS FIERROS)

Alejandro Buitrago regresa al cine con todos LOS FIERROS

El 12 de septiembre llega a la cartelera colombiana la película dirigida por Pablo González, producida por Dynamo junto a Pando Producciones, con el apoyo de Caracol Televisión. Esta historia es protagonizada por Alejandro Buitrago, multifacético actor que ha participado en producciones como Rosario Tijeras, Narcos, Deshora y Distrito Salvaje, entre muchas otras. Él encarna a Federico, un hombre leal a su familia y motociclista nato, que después de estar una larga temporada en la cárcel y ser tachado de hampón, regresa a su pueblo en busca de redención.

“Este personaje que pusieron en mis manos fue como un maestro para mí. Todos los personajes que llegan a nuestra vida, son para hacernos crecer… Lo bonito de esta película es que, a pesar de ser violenta, vamos a ver una historia de amor. Es una película que habla de amor real, ese que tu sientes por la familia, el hermano, la madre. Eso es lo que hace a LOS FIERROS diferente de otras producciones”, asegura Alejandro Buitrago.

A lo largo de su trayectoria ha tenido la oportunidad de participar en reconocidas producciones como Rosario TijerasGermán es el man, Cumbia NinjaA corazón abiertoNarcosDistrito SalvajeMaría Magdalena y Mil Colmillos. En el medio cinematográfico ha hecho parte del cortometraje Asunto de gallos de Joan Gómez y su primer largometraje fue En Coma de Juan David Restrepo; posteriormente actuó en 180 Segundos de Alexander Giraldo y la coproducción Deshora de la argentina Barbara Sarasola Day, película en la que personificó a Joaquín y donde exploró las profundidades de un personaje en toda su dimensión humana y artística, papel por el cual obtuvo el premio a Mejor Actor en Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias -FICCI-. Ahora regresa en el segundo largometraje de Pablo González, LOS FIERROS, que se podrá ver en salas de cine a partir del próximo 12 de septiembre.

“La película hace que nosotros los actores también saquemos cosas y enfrentemos oscuridades propias a través del arte y cuando haces el proceso quedas libre. Cada vez que yo veo LOS FIERROS siento una energía inmensa. La película me abrió las puertas para estar en otros proyectos. Si mi primera película fue En coma y fue mi bienvenida, LOS FIERROS es como un renacer en este arte que me llenó de mucha seguridad y mucho cariño por todo el equipo”.

En la actualidad, Alejandro Buitrago se encuentra realizando obras de teatro con el Colectivo Teatral y Audiovisual Quinta Picota el cual cumple 10 años de funcionamiento y se encuentra preparando para nuevas producciones. “Agradezco haber trabajado en LOS FIERROS porque me enseñó lo que es el lado humano de este mundo criminal. Todo lo que se ve en la cinta es fruto de un grupo muy talentoso, de gente comprometida que lleva un guion adelante, en donde lo más importante es la historia. El trabajo con Pablo fue maravilloso, su propuesta es distinta y novedosa”.

El actor asegura que con la historia de LOS FIERROS se quería reflejar una realidad por medio de la ficción, en donde el trabajo de los actores fue ser sinceros y no juzgar a los personajes, sino entenderlos.

Disfrute de todo su talento a partir del 12 de septiembre en salas de cine.

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Anuncia una nueva edición presentando su IMAGEN (evento 18 Festival Cine Francés)

Llega a la mayoría de edad el Festival de Cine Francés, esta es la imagen oficial de su edición 18

Del 18 de septiembre al 16 de octubre, una vez más el público colombiano podrá deleitarse con una exclusiva selección de obras que trae el Festival de Cine francés. El recorrido comenzará en Bogotá y contará con itinerancias en Medellín, Cali, Barranquilla, Armenia, Bucaramanga, Cartagena, Fusagasugá, Manizales, Pereira, Popayán, Pasto, Quibdó, Santa Marta, San Gil, Sincelejo, Tunja y Villa de Leyva. 

Para esta edición, el Festival estará en las salas asociadas de la Cinemateca de Bogotá; 10 salas que tienen trayectoria en la circulación audiovisual y desarrollan procesos de formación de públicos: Biblioteca Pública El Tintal, Fondo De Cultura Económica, Casa De La Cultura Pablo Vi – 2 Sector, Acto Latino, Casa Kilele, Casa La Soledad, Teatro El Resquicio, Cineclub El Rollo, Cinemateca Sala Alterna – Universidad Nacional y Leteo – Casa del Cine.

Francia es uno de los países más influyentes en el desarrollo del séptimo arte y el lugar donde se desarrollaron gran parte de las vanguardias cinematográficas que conocemos hoy en día. La edición 18 del Festival de Cine Francés no es ajena a esta historia y por ello dentro de su programación nos invita a revisar algunos de esos títulos que hacen parte de la amplia producción gala; contará con la sección de Inéditos; una retrospectiva de la abuela de la Nueva Ola Francesa, Agnès Varda; invitados especiales como Tom Volf, entre otros; la fiesta de cine de animación y los clásicos con diferentes obras maestras del cine francés. Una diversidad de historias que serán proyectadas en salas de cine, universidades y centros culturales de las ciudades que hacen parte de esta fiesta.

El afiche oficial de esta edición trae un diseño inspirado en una fuerza misteriosa, con una combinación rítmica de los colores y las palabras, junto a una mirada suave y sutil hacia el espectador que, según Martín Maisonave, tienen el poder de convocar y de conjurar el embrujo que el cine siempre propone. “Cuando recibí la propuesta, el primer desafío que se presentó entonces fue cómo incorporar la gran cantidad de texto que había que aplicar, buscando una estética arriesgada pero con raíces clásicas. Decidí experimentar casi exclusivamente con el uso de tipografías, y trabajar variantes geométricas de composición, un poco inspiradas en el constructivismo ruso, variando formas, cuerpos y valores de líneas de las distintas letras. En esa línea, hicimos un repaso del uso de colores plenos en placas y títulos de rodantes en el cine francés, desde la nouvelle vague hasta el cine contemporáneo. Una línea imaginaria que atravesara y conectara los carteles de Une femme est une femme de Jean-Luc Godard con Enter the void, de Gaspar Noé”

En palabras de Maisonave, el artista detrás de la imagen de la edición 18 del Festival de Cine Francés, resulta interesante la combinación minimalista de los fondos de las placas, y el impacto que producen las palabras de líneas simples que se yuxtaponen. La imagen de fondo es un rostro, en una clave visual de transparencia mínima, solo para que se identifiquen sus rasgos sobresalientes, y en la que se siente la mirada. Luego, se tomaron algunas fotografías y material de archivo de video propio del artista, y se realizó la composición de diseños y animaciones generales, buscando impactar con los ritmos, los colores y las formas.

Sobre el artista.

Martín Maisonave nació en Buenos Aires, Argentina. Estudió Diseño de Imagen y Sonido en la Universidad de Buenos Aires – FADU, Dirección de Cine en la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica – ENERC y se especializó en escritura y fotografía en New York University – NYU y en distintos espacios académicos. Se ha desempeñado como productor, guionista y director; trabajando en diferentes cortometrajes, largometrajes, comerciales e instalaciones de video.

También ha incursionado en la curaduría de cine, trabajando por más de 10 años para el Festival Internacional de Mar del Plata en Argentina, del cual fue el programador de la Competencia Oficial. Ha realizado retrospectivas y muestras en países como Brasil, España y Colombia. Hoy alterna sus días entre la investigación, la producción audiovisual, la curaduría de cine y la docencia.

“Mi anhelo es que esta búsqueda personal se inscriba en la potencia y la fuerza que el festival ha ido incrementando a lo largo sus distintas ediciones ¡Que así sea!”

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EL RESPLANDOR, una invasión de locura llega a la PANTALLA GRANDE

La locura invade las salas de cine con EL RESPLANDOR, la última película del ciclo de Stanley Kubrick: EN PANTALLA GRANDE Y RESTAURADA

El público colombiano tendrá el placer de vivir la historia del terrorífico Hotel Overlook con El resplandor, una de las obras de un director ambicioso, obsesivo y perfeccionista: Stanley Kubrick. Los días 3 y 8 de septiembre, para cerrar el ciclo dedicado a este genio de la cinematografía mundial, se presentará este largometraje de 1980. Catalogada dentro del subgénero del terror psicológico, es protagonizada de manera magistral por Jack Nicholson y está basada en la novela homónima de Stephen King, publicada en 1977.

Ha sido tal la acogida del ciclo de Kubrick por parte de los espectadores que se han abierto funciones adicionales en las salas de cine para la proyección de esta obra magistral. No pierda la oportunidad de sumergirse en una historia que congelará sus sentidos y su mente en un laberinto aparentemente sin salida. Consulte la cartelera de su ciudad para conocer las salas de las 12 ciudades del país (Bogotá, Medellín, Cali, Barranquilla, Cartagena, Bucaramanga, Ibagué, Villavicencio, Manizales, Armenia, Popayán y Pereira) donde se puede disfrutar la última película del ciclo de este icónico director.

RESERVAS

“Tanto trabajar y tan poco jugar hacen que Jack se aburra”- Jack Torrance

El resplandor es una película escalofriante, considerada un clásico del género de terror, donde el miedo se convierte en otra de las formas de la belleza. El actor Jack Nicholson llega a una de las cimas de su delirio interpretativo creando el encierro de un escritor en un hotel perdido en las montañas, durante un extenso invierno de pesadilla, aislado con su familia en un lugar habitado por fantasmas y terribles imágenes del pasado.

En la novela, la historia se narra a través del punto de vista del niño, pero en la película el protagonista es el padre, Jack Torrance (Jack Nicholson), un escritor alcohólico quien se traslada con su esposa Wendy (Shelley Duvall) y su hijo Danny (Danny Lloyd) de cinco años, al impresionante y solitario Hotel Overlook, ubicado en la alta montaña en Colorado, donde acepta un puesto como vigilante de invierno. Su objetivo es encontrar tranquilidad y silencio para escribir una novela. Sin embargo, poco después de su llegada, Jack empieza a padecer inquietantes trastornos de personalidad.

Me da un poco de miedo Jack Nicholson“, admitía el escritor Stephen King, cuando supo que este sería el protagonista “porque él no es un hombre corriente“. Justamente Kubrick escogió al actor por su carácter desenfadado, fuerte y perturbador. Fue tal el esfuerzo y la inmersión de Nicholson en su personaje durante el rodaje que cada noche llegaba a su habitación y simplemente se dejaba caer en la cama para quedarse dormido de inmediato. La escena en la que sube las escaleras para atrapar a Wendy se rodó cerca de 40… veces a pesar de que la toma salió perfecta a la primera. Kubrick quería que el rostro de Nicholson reflejara la ira y el delirio derivadas del cansancio de repetir la misma escena una y otra vez.

“Soñé que te mataba a ti y a Danny. Y no solo los mataba, los cortaba en pedacitos. ¡Dios mío! Me estoy volviendo loco” – Jack Torrance

Para Shelley Duvall el rodaje fue un auténtico infierno debido a la presión que Kubrick ejercía sobre ella. Para la escena en la que tiene que subir la escalera con el cuchillo se hicieron 35 tomas. En total, la actriz recorrió la misma extensión de las escaleras del edificio Empire State. En palabras de Duvall, la famosa escena del baño se llevó a cabo en tres días e hicieron falta 60 puertas para poder realizarla.

Kubrick fue célebre por la minuciosidad con la que enfocó su trabajo y la cantidad de veces que repetía una escena hasta conseguir el resultado exacto. Esta fama fue agigantada a niveles absurdos, creándose leyendas en torno al tema, como la entrada al Libro Guinness Récords por ser la película con una de las escenas más repetidas en la historia: cuando Shelly Duvall sube las escaleras con el bate, escena rodada un total de 127 veces.

“Cualquiera que haya tenido el privilegio de dirigir una película sabe de lo que hablo: aunque pueda ser como intentar escribir `Guerra y paz´ subido a un coche de choque en un parque de atracciones, cuando finalmente lo consigues, no hay placer en esta vida que pueda igualar esa sensación”- Stanley Kubrick

A lo largo de los años, la película ha sido aclamada por su perfección al detalle, la simetría de sus planos y la sensación única que produce en el espectador. Para lograr esto, el rodaje se prolongó durante once meses, de mayo de 1978 a abril de 1979. Inicialmente, estaban previstas inicialmente solo 17 semanas: el cambio lo impuso Kubrick, que tenía el ferviente deseo de grabar la historia en orden cronológico. El director deseaba que los actores fuesen víctimas de la creciente inmersión en la locura, la tensión y la muerte que narra la cinta. Es así como El resplandor sigue siendo el largometraje con mayor metraje rodado en la historia, con casi 400.000 metros de película. La versión final que llegó a los cines contiene menos del uno por ciento del celuloide usado.

No se pierda esta historia que le pondrá los pelos de punta y lo llevará por un viaje descomunal por la mente de sus protagonistas. Otra gran obra que consigue crear situaciones inquietantes, expresivas y fascinantes, convirtiéndola en un clásico del cine de todos los tiempos.

CIUDAD SALA
BOGOTÁ ANDINO
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ARMENIA PORTAL QUINDÍO
POPAYÁN TERRA PLAZA
PEREIRA VICTORIA

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Hace un llamado al mundo con su foco AMBIENTAL (evento Cine Canadá 2019)

La muestra Cine Canadá 2019 presenta tres películas en su nueva sección dedicada al medio ambiente

Del 28 de agosto al 04 de septiembre se llevará a cabo la muestra Cine Canadá 2019, un evento organizado por Babilla Ciné y la Embajada de Canadá en Colombia. En total serán 11 películas, con lo mejor del cine contemporáneo canadiense, una muestra enfocada en el medio ambiente que presenta tres poderosos títulos que exponen una visión global del estado ambiental del mundo. Bogotá, Cali, Medellín, Barranquilla, Pereira y Manizales serán las ciudades colombianas donde se podrá disfrutar de su programación.

Foco en el medio ambiente

En esta sección la muestra Cine Canadá 2019 presenta una selección de películas que nos invitan a reflexionar sobre el contacto del hombre con la naturaleza y el impacto de sus actos y decisiones sobre ella. Dos de los largometrajes son dirigidos por los galardonados directores Jennifer Baichwal y Edward Burtynsky: Watermark Anthropocene, además de la película dirigida por un invitado de este año, Jef Benoit. Este grupo de películas se destaca por su calidad que les ha otorgado un puesto en el universo audiovisual a nivel internacional.

Watermark es un documental que reúne diversas historias de todo el mundo, una exploración global sobre nuestro recurso más vital y comprometido: el agua. Nos lleva a un recorrido por lugares como las granjas flotantes en la costa china, el árido desierto en donde el poderoso río Colorado ya no llega al océano, las curtiembres de cuero en Dhaka y el Kumbh Mela en Allahabad donde treinta millones de personas se reúnen para un baño sagrado en el río Ganges. En ella el espectador está inmerso en un mundo definido por la magnífica fuerza de la naturaleza y abre sus ojos ante las múltiples consecuencias de nuestra relación con el agua.

Anthropocene es un largometraje que explora los seis continentes del globo terráqueo y un total de veinte países. Nos muestra desde la devastada Gran Barrera Coral en Australia a los muros de hormigón que cubren más del 60% de la costa de China; pasando por las máquinas terrestres más grandes que jamás se han construido en Alemania a las psicodélicas minas de potasio en Rusia o por las evaporaciones de litio que se generan en el desierto de Atacama; imágenes de primera mano en las que queda patente el catastrófico resultado que nuestra especie está dejando como huella de su paso por el planeta.

Por su parte, El Tema es una obra inspirada en Colombia, país donde el director Jef Benoit creció y al cual ama profundamente. Acompañado por su tío Arturo y su primo Sergio, Jef documenta su trayecto desde Tuluá hasta Santa Marta, recordando a las personas que inspiraron su viaje como humanista, una aventura que le permitió reconectarse con sus valores y descubrir su manera personal de participar en el desarrollo de una sociedad basada en valores fraternos. A través de las diversas partes interesadas y organizaciones que conocieron en la película, comparten posibles puntos de acción que podrían guiar el camino a seguir en el desarrollo de políticas sociales, económicas, culturales y ambientales. Los interlocutores reunidos fueron la Fundación Don Bosco y Fundación Pies Descalzos en Colombia; el Instituto de Asesoría para el Desarrollo Humano, Fabio Costa y Ana Gama, bailarines en Brasil; el partido demócrata de Massachusetts en los Estados Unidos; entre otros.

JEF BENOIT, INVITADO

Para acompañar las presentaciones de su película, así como otras actividades de la muestra Cine Canadá 2019, estará Jef Benoit. El director canadiense se formó en desarrollo local y ciencias sociales. Su carrera como trabajador comunitario, tanto en Canadá como en el extranjero, lo ha llevado a desarrollar una verdadera pasión por los documentales y las películas de ficción con un enfoque social.

En sus trabajo prefiere realizar un cine de frecuentación y proximidad, en donde una cámara animada y flexible filma de manera intimista, tomándolo prestado del lenguaje del cine directo cuando llega el momento de hablar con los personajes. Algunas películas que toma como referencia el director son The Gleaners and The Female Gleaner (2000) de Agnès Varda y Waiting for Superman (2010) de Davis Guggenhein.

Dirigió el cortometraje Le berceau (2016) y produjo Belief disbelief (2017). Su más reciente trabajo es el largometraje El tema (2019) que será presentado en la muestra Cine Canadá 2019. Este último permite al director combinar la síntesis de sus conocimientos y sus pasiones, allí el director, apasionado por la historia y amante de América Latina, hace un recorrido a través de la cordillera central de Colombia, ofreciendo pensar la vida de manera diferente. “Esta aventura es una invitación a reconectarnos con nuestra esencia y encontrar cómo cambiar el mundo”, asegura.

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