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CON LA MUERTE EN LOS TALONES continúa el Ciclo para Obsesivos Compulsivos

CON LA MUERTE EN LOS TALONES se presenta en el ciclo de Clásicos para Obsesivos Compulsivos con dos funciones:
EN PANTALLA GRANDE Y RESTAURADA

Una de las 10 mejores películas de su tipo según el Instituto Americano del Cine llega a hacer parte del ciclo para obsesivos compulsivos. CON LA MUERTE EN LOS TALONES, la única película que Hitchcock grabó para MGM, es considerada la obra precursora en el subgénero de agentes secretos. Una de las favoritas del propio Hitchcock y con las estelares actuaciones de Eva Marie Saint y Cary Grant en su cuarta y última colaboración con el director británico. El próximo martes 23 y el domingo 28 de abril, la versión restaurada de este referente cinematográfico llegará a 21 salas de 12 ciudades del país, consulte la cartelera de su ciudad.

CON LA MUERTE EN LOS TALONES tuvo su premier mundial en el Festival de Cine de San Sebastián y fue estrenada el 17 de julio de 1959. Inicialmente, los estudios Metro-Goldwyn-Mayer habían encargado a Hitchcock y al guionista Ernest Lehman adaptar una novela titulada ‘The Wreck of the Mary Dearek’, escrita en 1956 por el británico Hammond Innes; sin embargo, durante el proceso de escritura Lehman se sintió estancado y le comunicó al director que debía buscar un nuevo guionista.

Tengo una mejor idea

Hitchcock aprovechó la oportunidad y le comentó al guionista de su otra idea: había estado trabajando en la historia de un hombre que es confundido con un espía y tenía en mente una persecución por el famoso Monte Rushmore. Hitchcock y Lehman comenzaron a trabajar en el nuevo guión y nunca le avisaron al estudio. Cuando los productores se enteraron de lo sucedido decidieron dejar al director continuar con su proyecto y encargarle la adaptación a Michael Anderson.

Un tema recurrente de Hitchcock es el del falso culpable, el del acusado de un delito que no ha cometido, el del inocente en el lugar equivocado. Este es uno de sus mejores ejemplos: la historia de un publicista (Cary Grant) confundido por unos espías con un agente del gobierno desencadena una trama que no da tregua. Tiene momentos esenciales que se convertirían en referentes para el cine “de acción”, combinados con sofisticados juegos de amor y de humor. Un clásico contundente.

Como ya es común en su filmografía, Hitchcock no reparó en gastos e insistió hasta lograr lo que quería a la hora de plasmar su idea en la gran pantalla: impuso sus decisiones desde la elección de la cámara, haciendo de CON LA MUERTE EN LOS TALONES la segunda y última película de MGM filmada con la tecnología VistaVision. Para el corte final, se negó a cortar 15 minutos de cinta para mantener la película por debajo de dos horas de duración luego de hacer que su agente revisará su contrato para saber que tenía control absoluto sobre el producto.

Pero eso no fue todo. A pesar de los muchos impedimentos, Hitchcock logró rodar su película en los lugares que quería y con métodos poco convencionales. Al no obtener permisos para grabar en las instalaciones de la ONU, recreó el interior de las oficinas en un estudio y decidió grabar la parte exterior de la edificación desde el otro lado de la calle con una cámara escondida en una furgoneta. Además, como ya es costumbre, su preferencia por los estudios donde todo puede ser controlado lo llevó a plantar más de cien pinos en los estudios de MGM para no ir a rodar esas escenas a Dakota del Sur.

“Un buen drama es como la vida, pero sin las partes aburridas”
ALFRED HITCHCOCK

La casa que aparece cerca al final de la historia tampoco es real; el director ordenó al departamento de arte que construyeran un set similar a una casa diseñada por Frank Lloyd Wright, uno de los arquitectos más famosos en Norteamérica. Utilizando el obsesivo control de la grabación en estudio, el director logró rodar la escena final a pesar de no haberle sido permitido usar el verdadero Monte Rushmore. Cada plano está cuidadosamente planeado y pensado por Hitchcock y su equipo para que los famosos rostros de los presidentes no queden asociados a la violencia presente en la escena.

Con tres nominaciones a los Premios Oscar por mejor guion original, mejor dirección de arte y mejor montaje, este clásico de las películas de acción sentó un precedente en el género y su uso impecable de elementos narrativos como el “McGuffin” llevan a que estas técnicas sean replicadas años después en películas de culto como lo hizo Tarantino con el misterioso maletín brillante en Pulp Fiction.

Ya está disponible la preventa de historia de acción y misterio. Con dos únicas funciones el martes 23 de abril a las 8:00 pm y el domingo 28 de abril a las 12:30 pm.

CIUDAD SALA
BOGOTÁ ANDINO
AVENIDA CHILE
CALLE 100
GRAN ESTACIÓN
UNICENTRO
TITÁN
CENTRO CHÍA
MEDELLÍN SANTAFÉ MEDELLÍN
VIVA ENVIGADO
VIZCAYA
CALI CHIPICHAPE
UNICALI
BARRANQUILLA BUENAVISTA
CARTAGENA BOCAGRANDE
BUCARAMANGA CACIQUE
IBAGUÉ LA ESTACIÓN
VILLAVICENCIO VIVA VILLAVICENCIO
MANIZALES FUNDADORES
ARMENIA PORTAL QUINDÍO
POPAYÁN TERRA PLAZA
PEREIRA VICTORIA

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Para chuparse los dedos (si es que pueden)

El ciclo de los Clásicos para obsesivos compulsivos no termina aquí

Fechas de proyecciones:

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Primer Animefest De Cúcuta (Cúcuta, Colombia)

Fecha: Domingo, 28 de abril de 2019 de 14:00 a 20:00

Lugar: Club Cazadores

 

Bienvenidos al primer festival oficial de Anime en la ciudad de Cúcuta. Prepárate para una experiencia única llena de momentos inolvidables.
Tendremos:

  • Concursos
  • Torneos
  • Proyección de animes y/o películas
  • Tres ambientes diferentes
  • Presencia de tiendas
  • Comidas
  • Shows en vivo
  • Invitados especiales

Desde México, para el primer festival de Anime en Cúcuta estará la voz oficial de Vegeta.

René García le da vida en español al príncipe de los Saiyajins.

No pierdas la oportunidad de conocerlo, disfrutar de un espectáculo único.

El ANIMEFEST CÚCUTA tiene los mejores invitados para que disfrutes de un evento sin experiencia.
Tendremos la compañía de Maireth Vizcaino y Makoto para hacerte vivir una experiencia sin precedentes.

Adquiere las boletas en los puntos autorizados: Planeta Marthe – Expresate Store – Virtual Time Zone.

Para más información, pueden ir al enlace del evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/387116168798393

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Ciro Guerra presidirá la Semana de la crítica de Cannes (desde El Tiempo)

Desde El Tiempo de Colombia publican la siguiente noticia:

Ciro Guerra presidirá la Semana de la crítica de Cannes

El cineasta colombiano Ciro Guerra presidirá la sección paralela de la Semana de la crítica en el próximo Festival de Cannes, que comenzará el 15 de mayo.

Autor de cuatro largometrajes, Guerra cuenta ya con tres pasos por la ciudad de la Costa Azul francesa, donde debutó en 2009 con su segunda película, ‘Los viajes del viento’, proyectada en la sección Una Cierta Mirada.

Su tercer filme, ‘El abrazo de la serpiente‘, fue seleccionado en la Quincena de Realizadores en 2015, antes de convertirse en la primera cinta colombiana en optar al Óscar a la mejor película extranjera.

‘Pájaros de verano’, su más reciente película, codirigida con Cristina Gallego, abrió la pasada edición del festival dentro también de la Quincena de Realizadores.

Guerra, autor también de cuatro cortometrajes y quien debutó en el largo en 2004 con ‘La sombra del caminante’, se encuentra en fase de posproducción de su quinta película, adaptación de la novela del sudafricano J.M. Coetzee ‘Waiting for the barbarians’, con Johnny Depp, Mark Rylance y Robert Pattinson.

Para leer completa esta noticia, pueden ir al enlace de El Tiempo: https://www.eltiempo.com/cultura/cine-y-tv/ciro-guerra-presidira-la-semana-de-la-critica-de-cannes-347516

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EN CARTELERA con retrospectiva de Rubén Mendoza en Medellín (Película NIÑA ERRANTE )

Retrospectiva de Rubén Mendoza en el Museo de Arte Moderno de Medellín: Largometrajes + Cortos + Algunas rarezas

Con motivo del estreno de su más reciente película, Niña Errante (VER SALAS), del 5 al 14 de abril el Museo de Arte Moderno de Medellín (MAMM) presentará una retrospectiva con seis largometrajes y un cortometraje de Rubén Mendoza. El director estará presente en las proyecciones del 11 y el 12 de abril a las siete de la noche, donde introducirá los filmes y posteriormente participará en un conversatorio.

Rubén Mendoza ha ejercido como director, escritor, cámara y montador no solo en sus largometrajes sino en cortos como La cerca (2004), El reino animal (2010), La casa por la ventana (2010) o Montañita (2014), entre otros 10. Fue editor de las dos penúltimas películas de Luis Ospina, quien a su vez colaboró en el montaje de La sociedad del semáforo (2010), primer largometraje que Rubén Mendoza escribió y dirigió. En 2014 estrenó dos nuevos largometrajes de ficción, Tierra en la lengua y Memorias del calavero. En 2015 estrenó el documental El valle sin sombras. Sus trabajos cortos y largos han sido Selección Oficial y obtenido premios y fondos en más de 40 festivales del mundo, incluidos Cannes, Cartagena, Berlín, Locarno, San Sebastián, Clermont-Ferrand, Toulouse, Huelva, Huesca, Beijing, La Habana, Mar del Plata.

Apenas iniciado 2017 finalizó un proceso de 6 años con el documental Señorita María, la falda de la montaña, selección y premio a la dirección en la Semaine de la Critique de Locarno, y una de las contadas películas seleccionadas por el MoMA en Nueva York para su Directors Fortnight 2018. Con su más reciente trabajo, Niña Errante, se ha hecho acreedor por tercera vez del galardón a Mejor Película en The Colombian Film Festival en Nueva York, al haberlo ganado en sus versiones anteriores por Señorita María, la falda de la montaña y Tierra en la lengua, el Lobo Dorado a Mejor Película y el premio a Mejor Música en el Festival Internacional de Cine Black Nights de Tallinn, Estonia y uno de los premios colaterales del 40 Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, Cuba.

Usted podrá disfrutar de estas producciones en la cartelera del MAMM en las siguientes fechas y horarios:

NIÑA ERRANTE
Jueves 11 de abril, 7:00 P.M.
*Conversatorio con el director
En esta road-movie de duelo que perfila a Ángela, su infanta protagonista, hacia un nuevo hogar, hacia la adultez, y hacia la comunión con sus pares femeninos, el camino de la urbe al campo es frondoso de experiencias emotivas y de sucesos traumáticos que reflejan el turbulento entorno de violencia y prejuicios con el que debe lidiar la mujer colombiana.

EL VALLE SIN SOMBRAS
Viernes 12 de abril 7:00 P.M.
*Conversatorio con el director
Este documental echa luz sobre la avalancha de Armero, acontecida en el fatídico año de 1985. Un desastre que se hubiera podido evitar y que cobró la vida de miles de personas, dejando a los sobrevivientes en el abandono en una espera que se extiende a nuestros días.

LA SOCIEDAD DEL SEMÁFORO
Sábado 13 de abril, 5:00 P.M.
Raúl Tréllez, un reciclador enajenado por la terquedad, está empeñado en lograr con sus pocos conocimientos que la duración de la luz roja del semáforo pueda ser controlada por él para poder montar actos más largos entre malabaristas, lisiados y vendedores ambulantes en un cruce de calles. Una sinfonía del desespero, la desesperanza y la anarquía en medio del delirio y la fantasía.

SEÑORITA MARÍA, LA FALDA DE LA MONTAÑA
Domingo 14 de abril, 2:00 P.M.
La Señorita María es campesina, tiene 45 años, nació niño, y vive en las faldas de una montaña cerca del pueblo de Boavita. Su amargo pasado y un presente adverso y solitario no la doblegan. Una historia de esperanza y resistencia, en una sociedad despiadada ante toda muestra de diversidad sexual.

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VÉRTIGO, la mejor película de todos los tiempos regresa al cine – Martes 9 y Domingo 14 de ABRIL

Vértigo será la segunda entrega del ciclo de Clásicos para Obsesivos Compulsivos con dos funciones:
EN PANTALLA GRANDE Y RESTAURADA

El ciclo para obsesivos compulsivos continúa imparable con la que es considerada la mejor película de todos los tiempos por la revista británica Sight and Sound. El filme ostenta este título desde 2012 cuando desbancó a la hasta ahora imbatible Ciudadano Kane. Tras sesenta años de vida, Vértigo continúa convocando a adultos y jóvenes a experimentar todos los efectos de la obsesión y la acrofobia en la gran pantalla. El próximo martes 9 y el domingo 14 de abril, la versión restaurada de esta joya de la cinematografía mundial llegará a 21 salas de 12 ciudades del país, consulte la cartelera de su ciudad.

Vértigo fue estrenada en 1958 y está basada en Sueurs froides: d’entre les morts (Sudores fríos: de entre los muertos), novela ambientada en París, escrita en 1954, por Pierre Boileau y Thomas Narcejac. A partir del clásico esquema del cine negro (un detective que sigue a una mujer enigmática), se construye un inmenso fresco sobre el amor loco y sus peores trampas. Impulsado por un viejo amigo, James Stewart (Scott) se ve obligado a seguir a la hermosa Kim Novak (Madeleine). Pero la pasión se atraviesa en un engañoso camino hacia la autodestrucción. Hitchcock tocó la cima con este clásico siempre presente.

Antes y después de Vértigo

El protagonista de esta historia podría ser uno de los alter egos de Hitchcock; el genio refleja sus miedos y obsesiones en la gran pantalla, comenzando con su fijación por las mujeres de cabello rubio hasta la necesidad de controlar hasta el más mínimo detalle de sus rodajes.

Después de más de seis décadas de reproducciones, las secuelas que dejó la película aún son recurrentes en las producciones contemporáneas. Junto con Irmin Roberts, operador de la segunda cámara, Hitchcock utilizó por primera vez su ahora mundialmente conocido contra-zoom o zoom-vértigo, para transmitir al espectador la sensación de pérdida del equilibrio. Hitchcock había querido utilizar este efecto por primera vez en Rebeca (1940), pero al no haber la tecnología suficiente en el momento tuvo que descartar la idea por casi 20 años.

Esta técnica surgió luego de que el director británico se desmayara durante una fiesta: quería plasmar la experiencia en un plano a cualquier costo y apenas tuvo oportunidad de hacerlo la tomó. La vista hacia la escalera de la misión costó diecinueve mil dólares por solo un par de segundos de tiempo de pantalla.

Vértigo también es pionera en la animación por computadora. La secuencia de créditos iniciales donde se ven unas animaciones en diferentes colores fue diseñada por Saul Bass utilizando imágenes generadas por ordenador, convirtiendo la película en la primera en la historia en utilizar esta técnica.

Obsesionado con controlar cada aspecto de su película, Hitchcock, de nuevo, prefirió grabar la mayor cantidad de planos posibles en estudio. Después de grabar todos los planos exteriores, todo el equipo se acomodó durante dos meses en los estudios de Paramount.

“Para decirlo claramente, el hombre quiere irse a la cama con una mujer que está muerta”
ALFRED HITCHCOCK

Con un promedio de 6.7 segundos por plano, el británico se obsesionó en la luz de cada uno de los planos. Se sabe que todo el equipo estuvo trabajando durante una semana entera grabando una corta escena donde Madeleine, interpretada por Kim Novak, mira fijamente un retrato en el Palacio de la Legión de Honor; todo porque no lograban conseguir la iluminación correcta para Hitchcock.

Los cambios de iluminación marcan cuando algún evento importante ocurre dentro de la historia. Por ejemplo, cuando Scott, interpretado por James Stewart, ve a Madeleine por primera vez en el restaurante de Ernie, la luz a su alrededor se vuelve extraordinariamente brillante por un momento. Otro ejemplo de esto es que mientras Scott escucha la historia del antepasado de Madeleine en la librería, se pone muy oscuro; una vez que sale de la tienda, se ilumina de nuevo. También, cuando Scott ve por primera vez a Judy como Madeleine, se ilumina con una luz verde borrosa y reflejada por el letrero de neón que está afuera de la ventana. Toda esta obsesión por la perfección rindió sus frutos, unos más tardíos que otros.

Nominada a dos premios Oscar, uno por mejor sonido y otro por mejor dirección de arte y decorados, esta película recogió su fanaticada con los años, hasta convertirse en una de las películas más idolatradas del género actualmente. Reflejo de ello sucedió hace una década, cuando el Hotel Empire de San Francisco donde Scott encuentra a Madeleine, cambió su nombre de Hotel York a Hotel Vértigo; y la habitación 501, donde el personaje de Novak (Madeleine) vivía, aún se mantiene con muchos de los elementos y decorados utilizados para la filmación.

Ya está disponible la preventa de esta joya del cine. Con dos únicas funciones el martes 9 de abril a las 8:00 pm y el domingo 14 de abril a las 12:30 pm.

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RESEÑA CRITICA DE BIRDMAN (O LA INESPERADA VIRTUD DE LA IGNORANCIA)

En 4 años pasan muchas cosas, entre ellas por ejemplo, Andy vuelve a la academia y con ello buenas noticias para mis seguidores bagatelistas, vuelven las críticas, las entrevistas, los talleres, los tips y las recomendaciones alrededor del mundo cinematográfico. De antemano quiero pedir excusas no solo a mis seguidores, sino a quienes de forma muy juiciosa siguen el contenido de la página, a la cuál, agradezco por la publicidad que le están haciendo al estreno de la película Niña Errante, del director Rubén Mendoza  de “Los viajes del viento”, con la actriz caleña Carolina Ramírez, de “Ciudad delirio”, “La pola”, “Séptima puerta” (…), a quién tuve la oportunidad de conocer por mi paso en la capital, cuando estudié en Casa E. Invitadisimos a la premiere de esa película, Shazam puede esperar y a quienes vivan en Bucaramanga, nos vemos mañana 4 de abril en el Cine Colombia del Centro Comercial El Cacique, allá nos encontraremos para hablar de cine con el desarrollador del “Rincón cinematográfico de Andy”. Además de que esta es una película que viene arrasando en festivales, en Estonia por ejemplo se llevó las máximas distinciones en el Festival Internacional de cine Black Nights de Tallin, siendo galardonada a mejor película -compitiendo por dicha distinción junto a 18 producciones de Dinamarca, Albania, Hungría, Finlandia, Canadá, Alemania, México, Costa Rica, Portugal, Grecia, Estados Unidos, Francia, Suecia, Australia, Egipto, Polonia, entre otros países- y mejor música.

Para quienes no sean residentes de Bucaramanga, les invito a que sintonicen a las 17 hrs de mañana: http://iradioalaire.caster.fm Donde estaré hablando de actuación, dirección de actores y métodos interpretativos, durante media hora, junto a Erick Rincón, en compañía de un invitado especial, realizador cinematográfico Piedecuestano, quién nos compartirá un poco de su experiencia por tierras polacas.

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Ahora sí, hablemos de Birdman

Hay que entender el desafío, que supone, grabar tomas tan largas -a nivel interpretativo- quienes me conocen sabrán que, aparte de guionista, me dedicó al arte de la actuación, lo cuál genera bastantes complicaciones-o mejor dicho- desafíos, entre los cuáles destacan interpretativamente que, los actores tuviesen que ejecutar hasta 15 páginas del guión en solo 1 toma, en contraparte supone un verdadero alivio para el montaje, cuyo trabajo solo costó de 2 semanas. Debido a la longitud temporal de las tomas, los actores cometían errores frecuentemente, la que más errores cometió durante el rodaje fue Emma Stone en contraparte de Zach Galifanakis (Popularmente conocido por la trilogía cómica de “The hangover”) quién no se equivocó casi nunca.

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No obstante, prevalece la supremacía de Alejandro Gonzáles Iñarritú como el gran director de actores que es función en la que siempre se ha destacado y labor que en las próximas ediciones estaré profundizando, sobre todo compartiendo mi experiencia de hace un par de años en un taller de Guillermo Arriaga sobre escritura de guión que terminó siendo un taller de dirección actoral excepcional. Reconozcamos que junto a Michael Keaton, existe un cast de lujo, hay que destacar no solo a Emma Stone, siendo demasiado objetivos, sino también a un Edward Norton haciendo prácticamente una caricatura de sí mismo y a Zach Galifanakis interpretando un papel de 3ra categoría pero que demuestra que es un actor de primera clase superior a su estigma predeterminado de inadaptado, demasiado irrelevante en comparación de  la trilogía de “The Hangover” con “Birdman”.

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Antes de continuar y ya que mencione al maestro de maestros, Guillermo Arriaga, es necesario acotar el trabajo industrializado de la preproducción en el trabajo del guión para el desarrollo de esta película recordando que por algo se llevo el premio de la academia a mejor guión original. Una historia narrada a través del lente literario macondiano del realismo mágico, tan popular en la literatura latinoamericana y eso hace que se sienta muy cercana a pesar de que el plató este directamente relacionado con el Broadway neoyorquino y se sienta una atmósfera a la capital del mundo, es una película muy latina.

Hablar de la fotografía, es hablar de la genialidad del propio “Chivo” Lubezki a través de una intención dada por la filmación de una película narrada a través de una sola toma continua, los problemas técnicos superiores a la mera interpretación, el encuadre, el audio, tuvieron que ser absolutamente enormes, por lo cual, el resultado fue prácticamente magia. En conjunto con la fotografía, tenemos al departamento de la  iluminación encabezado por Robert Sciretta y es que este ítem es uno de esos que es difícil de notar en una película excepto cuando son trabajos realmente brillantes y este es el caso de Birdman, donde podemos apreciar los colores, los acentos dramáticos, el cambio de locación a locación, con una dicotomía notable entre lo teatral y lo cinematográfico. No en vano fue el galardón a mejor fotografía en la ceremonia de hace 5 años ya de los premios Oscar de aquel entonces.

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En el apartado de Sonido, hubo un auténtico desafío para Antonio Sánchez, quién no se quedó corto al realizar una de las bandas sonoras más auténticas y originales, ni se dejó amilanar por el trabajo sonoro de Whiplash o de Boyhood, que haya podido apreciar en mi largo historial cinéfilo (perdón Clockworks Orange, mil veces perdón Dany Elfman y lo siento mucho Tan Dun, pero esto es talento latino) aunque oyéndola sola realmente no transmite mayor cosa, pero dentro de la película en conjunto con las imágenes, nos brinda una experiencia auténtica y brillantemente única.

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En el siguiente vídeo tenemos a un baterista, músico del jazz que reconoce que al estudiar el guión del equipo de guionistas encabezado por Iñarritú, se enfrentó a un guión ajeno a la norma porque esta sería una película precisamente ajena a la norma, lejos de la típica película hollywoodiense y antes de que existiese la película, literalmente musicalizó un guión y la creación sonora se baso en la improvisación a través de los parámetros de Iñarritu y de lo que proponía finalmente el guión. De lo anterior, he parafraseado lo más relevante del vídeo, citando las palabras del gran baterista de jazz, oriundo de la capital de México y miembro de la banda Pat Metheny Group, es decir, que no me he inventado nada de lo que el narra en el siguiente vídeo.

En lo personal y para tener como piedra de toque, algunos referentes (puntualmente frases) he decidido hacer un pequeño compilado de frases de la película y dar la connotación sobre las mismas:

 “Haces esto porque te aterroriza admitir, como a todos los demás, que no eres relevante. ¿Y sabes qué? Es cierto.”

Aquí vemos a un guionista tratando de dejar un mensaje (de forma muy bien lograda) a través de la voz de Riggan Thomson dirigida hacia Tabitha Dickinson, sobre lo que es el “arte” de criticar a quienes se esmeran por crear algo de valor artístico. Abrimos un paralelo con la siguiente frase: “Un hombre se convierte en crítico cuando no puede ser artista así como se convierte en informante cuando no puede ser soldado”. Lo dijo Flaubert, ¿no? Y cerramos esta tiradera a la crítica, la cuál reconozco como actor, fue creada por el mismo diablo simplemente para entorpecer nuestro proceso creativo

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En este artículo he hablado mucho sobre guión y bastante ídem sobre la dirección de actores, esta frase precisamente habla de lo que es en sí la interpretación, recordando que, “actuar es vivir”.

“Por favor, no seas tan patético. ¡No veas el mundo a través de tu celulares! ¡Ten experiencias reales! ¿A alguien además de mí le interesa la verdad? ¡Este escenario es falso! ¡Los plátanos son falsos! ¡No hay nada en este envase de leche! Tu actuación es falsa. Lo único que es verdadero es este pollo. Voy a interactuar con el pollo”.

Con las dos últimas frases cierro y confirmo que, fue a través del séptimo arte, como lo es el arte de purificador, sanador y revitalizador, que Iñarritú se curó de una depresión y como una persona que esta atravesando por un momento cumbre de su vida a través del cuál, también esta dejando atrás la depresión, comparto, comprendo y ante todo respeto enormemente a alguien de quién algún día deseo considerarme colega:

“¡El mundo entero lucha a diario por ser relevante! Y tú te comportas como si no existiera. ¡Están pasando cosas en un lugar que ignoras que se ha olvidado de ti! Digo, ¿quién diablos eres? Odias los blogs, te burlas de Twitter. Ni siquiera tienes página de Facebook. ¡Tú eres quien no existe! Haces esto porque tienes pavor, como todos nosotros, de que no importas. ¿Y sabes qué? ¡Tienes razón! ¡No importas! No tienes importancia. Tú no tienes importancia. ¡Acostúmbrate!”

Estos tienen una forma bellísima de monologo interno que de por sí son demasiado catárticos y pueden tener la doble función ídem de catalizadores.

¿Qué me pasa? ¿Por qué tengo que rogarle a la gente que me ame?

La última frase va derecho a mi burtler personal y es que, después de todo me siento tan identificado con la misma

LINKS DE PÁGINAS ESPECIALIZADAS PARA PROFUNDIZACIÓN:

¡MIL GRACIAS IÑARRITÚ!

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El prototipo del emblemático Batimóvil de 1966 llegará a Comic Con Colombia en Bogotá (Bogotá, Colombia)

El prototipo del emblemático Batimóvil de 1966 llegará a Comic Con Colombia en Bogotá

¡Llega el Batimóvil de la serie de 1966! La réplica del emblemático vehículo de la serie de televisión producida por Fox entre 1966 y 1968 será exhibido en la Comic Con Colombia 2019 de Bogotá.

Directamente de las calles de Gotham llega el vehículo que utilizó el Dúo Dinámico para llevar tranquilidad a sus ciudadanos y será uno de los atractivos de la octava edición del evento, que les permitirá a los amantes de esta serie tener la oportunidad de observar y tomarle fotos a este icónico vehículo.

SOBRE EL VEHÍCULO

Este año el héroe encapotado cumple 80 años y Comic Con Colombia trae una réplica a escala 1:1 del Batimóvil más recordado por sus fanáticos, cuyo modelo original fue creado por George Barris basado en un vehículo desarrollado por la compañía Ford para la Feria Mundial de 1954: el Lincoln Futura.

¡Baterías a potencia! ¡Turbinas a velocidad! Es la frase más recordada, pronunciada por Robin al hacer el chequeo para iniciar la marcha en la serie de televisión y gracias a la Comic Con Colombia sus visitantes podrán recordar este y muchos otros momentos que marcaron su infancia con los distintos gadgets que contiene está máquina, como el Bati-teléfono, el Bati-paracaídas y el panel de control incorporado para comandar este vehículo que, para la época, era considerado un ícono de alta tecnología por todos los amantes de esta serie.

La serie de televisión, protagonizada por Adam West, se ha convertido en un referente de la cultura popular de Estados Unidos y ha impactado el mundo entero. Su banda sonora, aún hoy, es tarareada por chicos y grandes, es por esto que no se pueden perder la oportunidad de estar junto a una pieza de ingeniería que simboliza la época más importante del Dúo Dinámico.

Comic Con Colombia, que promete ser una experiencia única para los fanáticos de los cómics, la cultura pop y la industria del entretenimiento es organizado por Planet Comics en asocio con Corferias, con Click On Design como aliado para Bogotá.

Este año se celebrará la octava edición de la convención del viernes 31 de mayo al lunes 3 de junio de 2019 en el Gran Salón Óscar Pérez Gutiérrez de Corferias.

¡Muy pronto revelaremos más atracciones y los nombres de más invitados especiales!

#RegresaLaComicCon #ElHéroeEresTú

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